Ces derniers jours, nous avons eu le privilège d'être reçus, dans sa résidence en Italie, par Andrea Martis, artiste propriétaire et gardien d'une technique de peinture particulière unique au monde, qui, pour la première fois depuis au moins vingt ans, a accepté d'accorder une interview ainsi que l'accès à son studio à un journal, en choisissant de le faire avec italiani.it. Ce fait, qui en plus de nous flatter, pourrait générer des effets inattendus suractivité artistique très réservée, presque secrète, que le peintre né à Cagliari d'un père sarde et d'une mère romaine d'ascendance belge avait choisi de réserver, jusqu'à présent, à quelques privilégiés.
Martis, en effet, dirige depuis trente ans une double vie rigoureusement structuré dans lequel, le jour, il est un directeur brillant et méthodique de l'une des plus importantes compagnies pétrolières italiennes (les Saras de la famille Moratti) tandis que, la nuit, il est un peintre tourmenté, brillant et inaccessible.
De fait, rares sont les privilégiés admis dans son atelier et à qui l'on accorde la possibilité de s'emparer d'une toile : des passionnés minutieusement sélectionnés au fil des ans, dont les références pour pouvoir faire face à l'achat d'un tableau sont suspendues à l'imprévisibilité des établissement d'un état émotionnel autour de l'œuvre elle-même. Bref, vous ne pouvez en avoir une photo que s'il s'avère qu'il vous a déjà appartenu.
Après le bref intermède d'un petit atelier qui a duré quelques années, Martis a décidé de se retirer à la campagne où il a installé un studio dans lequel il pouvait s'isoler.
Parmi ses disciples on peut encore compter des personnalités dites importantes : artistes, écrivains, industriels, psychologues, mais le peintre a construit un fort pour l'éloigner et loin de la logique du marché, puis évitant chirurgicalement le monde des galeries et le système de cotation. L'évaluation d'un Martis est une question d'énergie. Mais, comme ce n'est pas de la valeur économique de ses toiles dont le peintre veut parler, bien sûr, nous lui demandons de nous raconter ses débuts.
J'ai commencé à peindre par besoin, en autodidacte, en 1993, après des études classiques, alors que j'étudiais le droit.
Quels étaient vos modèles ?
Je ne peux pas dire que j'avais un enseignant comme modèle à suivre car mon objectif a toujours été de trouver une forme d'expression qui me représente pleinement.
D'autre part. J'ai étudié à fond de nombreux maîtres dont, pour une raison ou une autre, je suis tombé amoureux : Salvador Dali (l'investigateur de l'inconscient), Kandinsky (le maître de la couleur et de la construction), Tourneur (le maître des intuitions et des mille révolutions), Caravage, Pollock, Kiefer et bien d'autres.
Et que cherchiez-vous dans chacun d'eux, quelle était votre urgence, votre besoin (comme vous l'avez dit plus tôt ?)
Dès le début, j'ai essayé de comprendre ce qui distinguait l'art de ce qu'il n'était pas, l'art de l'artisanat. De là a commencé une recherche qui a duré près de trente ans. Au fil des années, j'ai acquis la conviction qu'un "vrai" artiste, et par conséquent une "vraie" œuvre d'art, observe toujours trois principes :
- L'artiste doit représenter l'époque dans laquelle il vit
- L'artiste doit se représenter lui-même et lui seul
- L'artiste doit représenter sa propre idée de Sublime
Le premier principe fera de l'artiste une éponge, capable d'absorber tout ce qui l'entoure. La deuxième condition rendra l'artiste sans équivoque "original et unique" comme l'est tout être humain. De plus, cette capacité, combinée à la première, rendra l'artiste capable de devenir d'abord un filtre et, enfin, un sorte de prophète (capable de montrer aux autres une nouvelle façon de voir les choses et de s'y retrouver). La troisième est la condition la plus intrinsèque de l'art. Ce qui, à travers la spiritualité, la pousse à la perfection (voir "Le spirituel dans l'art" de Kandinsky). Celui qui l'oblige à un lien indissoluble avec le divin et détermine sa fonction la plus intime.
Jusqu'ici c'est clair. Et vous comprenez la rigueur avec laquelle vous avez toujours affronté ce chemin. Il me semble que l'abnégation à ces préceptes ressemble à la voie de l'ascète...
Suivre ces trois préceptes conduit inévitablement à la recherche de la vérité (en eux-mêmes, dans le monde environnant et dans quelque chose de supérieur). Le seul chemin qui le conduira à décoder et développer un nouveau code communicatif qui, à mon avis, constitue le but principal de tout artiste. Évidemment en peinture, et peut-être pas seulement en celle-là, la vérité est forcée de composer avec l'apparence et la réalité. Comme on le sait, chaque époque a donné des réponses congénitales différentes à cette dichotomie et c'est peut-être de ces différences que sont nés les courants artistiques dans lesquels de nombreux artistes se sont reconnus et auxquels, de temps à autre, ont adhéré.
Connais toi
Votre chemin a duré trente ans. Quelles sont les épreuves auxquelles vous avez été confronté ?
Tout d'abord, devoir me connaître à fond. Je ne passerai pas beaucoup de temps sur « Connais-toi toi-même » ; il n'y a pas de recette pour ce thème. Ce qui importe, c'est que grâce à cette recherche, nous arrivions à avoir un « Une vision cohérente » et un style qui nous rend reconnaissable, quelle que soit la signature.
Le temps présent
Ensuite, la comparaison avec le Présent. L'investigation de notre époque est l'un des éléments fondamentaux pour pouvoir élaborer un nouveau code communicatif et remplir la fonction la plus intime de l'art.
Notre époque représente une élévation algébrique par rapport au flux homogène des siècles passés...
Notre époque est vraiment très différente de toutes les époques passées et, à ce titre, elle ne peut que renvoyer des œuvres d'art et des réponses profondément nouvelles et originales. À mon avis, le temps présent est caractérisé par des particularités totalement nouvelles :
- La théorie de la relativité et d'autres découvertes scientifiques liées à la physique
- Découvertes liées à la psychologie
- La communication exaspérée via la TV et les réseaux sociaux
- Marketing appliqué à tous les aspects de la vie
Les deux premiers, auxquels nous avons affaire depuis au moins un siècle, ont marqué de façon indélébile notre culture et nos croyances.
La combinaison des deux a pulvérisé tout principe absolu et, avec lui, les opinions possibles sur les choses. De plus, en substituant le sujet à l'objet, il a fragmenté encore plus les "vérités" possibles, multipliant les dimensions possibles à la manière de la théorie des cordes. Sur le plan pictural, il a effectivement anéanti l'impressionnisme (lié à l'objet) au profit de l'expressionnisme (lié au sujet).
Par la suite, la communication exaspérée qui s'est créée à travers la télévision d'abord puis les réseaux sociaux, trouvant un terreau fertile dans les deux premiers points examinés, a généré des milliards de leaders d'opinion (souvent vides de contenu), qui ils nous emmènent bien au-delà de l'optimisme d'Andy Warhol (chacun a gagné bien plus que son sacro-saint quart d'heure de gloire).
À mon avis, cela a généré ce que j'appellerais une un chaos sonore et visuel, un buzz de fond, ce qui vous empêche d'entendre clairement les messages les plus aigus et les plus intelligents.
Enfin, le marketing et son objectif de créer des besoins inutiles dans le seul but de les satisfaire, qui, appliqué à tous les domaines de la vie humaine (notamment la politique), a généré névrose de toute nature, nous projetant dans une ère de confusion idéologique difficile à gouverner.
Le code communicatif
Votre art vient-il de ces lieux ?
Mine code de communication évidemment, il s'appuie sur les prémisses philosophiques précédentes. Ainsi je vise à représenter l'apparence et le réel de notre époque à travers des oeuvres que l'on pourrait distinguer dans "Vues" et "visions". Les premiers se matérialisent, par exemple, dans des portraits ou des paysages. En pratique dans tout ce qui est généralement considéré comme réel, mais qui en réalité n'est qu'apparence.
Le sujet pictural qui, compte tenu des prémisses, il vaudrait mieux définir l'objet, est représenté sous une forme presque photographique. Entre l'objet et l'utilisateur s'interpose cependant ma technique particulière (cette matière grattée et déplacée) qui vise à simuler une sorte de plaque de verre, une membrane. En pratique, une sorte de filtre psychologique subjectif qui déforme l'objet.
L'effet est amplifié par le fait que le choix des couleurs n'est presque jamais parfaitement "réaliste". La combinaison des différents choix finit par laisser le spectateur comme suspendu entre une réalité apparente et une réalité subjective/psychologique.
dans visions, d'autre part, nous voulons représenter la Réalité (non apparente) telle que je la perçois.
Dans ces toiles, en effet, une tentative est faite de traduire les aspects mentionnés précédemment concernant notre époque.
Par conséquent, il sera possible de remarquer :
- bourdonnement de fond (images qui se chevauchent sur plusieurs niveaux)
- Commercialisation (qui propose des images apparentes - souvent clin d'œil - pour cacher des arrière-pensées beaucoup moins nobles)
- Messages qui se chevauchent et se contredisent
- Répétitivité obsessionnelle et névrose
Dans ce deuxième type d'œuvres, d'ailleurs, elles peuvent apparaître autres types de matérialité, rayures et chromatismes. Ils peuvent apparaître à la fois figuratif et abstrait, comme s'il s'agissait de différents types de communication qui, se chevauchant, ils perturbent l'entendement et les sens. Tout cela, bien sûr, rend ce deuxième type d'œuvres plus conceptuel que le premier.
On pourrait dire aussi que dans mes oeuvres elles sont toujours présentes, comme en musique, du moins trois niveaux de construction : rythme, timbre et mélodie. L'utilisation de ces trois niveaux, selon qu'ils sont utilisés de manière unique ou en opposition les uns avec les autres, créera cette gamme de combinaisons communicatives utiles pour reproduire les assonances ou dissonances que notre époque nous propose.
La mission que mon travail vise à atteindre, après tout, est de représenter les contradictions de notre temps, les dangers qui se cachent derrière le marché hypertrophique de la communication, l'incapacité de notre cerveau pour élaborer l'énorme quantité d'apports visuels et sonores que notre société nous impose et les névroses que ceux-ci génèrent dans notre cerveau. Devant mon travail, donc, le spectateur devra faire face une mer de symboles, de messages subliminaux et de manipulations marquer où le message visible contredit souvent le sens sous-jacent. A travers ce chemin il pourra donc essayer de mieux comprendre comment les outils de la nouvelle communication peuvent agir sur nos ressentis, en essayant detrouver le moyen de s'en émanciper.
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